La musica d'arte è un termine generico usato spesso per descrivere la musica meditatamente coltivata, in particolare nelle società occidentali e in contrasto con la musica pop e folk. La musica d'arte è un termine che racchiude tradizioni musicali che applicano considerazioni strutturali e teoriche avanzate con una tradizione musicale scritta. Nei paesi occidentali, la musica classica è la tradizione principale. La musica d'arte ha due estensioni, essendo entrambi grave musica o leggero musica. Fin dall'antichità, il genere della musica d'arte esisteva insieme ad altre musiche e si sviluppò attraverso i periodi storici dal medioevo al contemporaneo. Non ci sono caratteristiche eccezionali dello stile in quanto il tempo ha portato cambiamenti e differenze significativi per ogni generazione.
5. Panoramica e caratteristiche -
La musica d'arte è un termine generico che descrive la musica proveniente dalla musica classica occidentale. In altre definizioni, per esempio, Catherine Schmidt-Jones definisce la musica d'arte come musica che richiede più lavoro e attenzione da parte dell'ascoltatore per il pieno apprezzamento rispetto alla musica popolare media. Per Catherine, la musica d'arte include tipi di musica impegnativi come Jazz, Rock e Classical. In generale, la musica d'arte è musica altamente formalizzata in cui la maggior parte se non tutti gli elementi sono specificati in anticipo in forma scritta, e non improvvisati o lasciati alla discrezione dell'esecutore. La musica artistica si riferisce alle tradizioni classiche che si concentrano su stili formali, invitando decostruzioni e critiche tecniche e dettagliate, e allo stesso tempo richiedono un impegno significativamente maggiore da parte dell'ascoltatore. La musica d'arte è principalmente una tradizione musicale scritta, conservata in notazioni musicali piuttosto che in trasmissioni orali, note o in registrazione, come si vede nella musica moderna e tradizionale.
4. Origini -
La musica nel suo insieme risale all'antichità ed è probabilmente la più celebre di tutte le scoperte o invenzioni dell'umanità. La musica d'autore è iniziata intorno al 11th Century. Il sistema di notazione del personale che caratterizza la musica d'arte risale al 16th Century. La notazione dello staff occidentale è stata utilizzata dai compositori per esprimere toni, metro, tempo e ritmi per l'esecutore. Le norme centrali per l'arte della musica occidentale sono iniziate in 1550-1900. I monaci nelle chiese cristiane cantavano sinfonie classiche e romantiche attorno agli 1700 e agli 1800. In particolare, prima dell'inizio dell'19th Century, musica strumentale sofisticata come il concerto, la sonata, la sinfonia, le voci miste e gli stili strumentali come le opere, che sono stati sviluppati per dare alla musica d'arte un tocco distintivo da altri tipi di musica. Il rapporto tra musica d'arte e musica popolare divenne evidente nel 18th Century, quando gli intellettuali occidentali iniziarono a glorificare la vita popolare e contadina. Tuttavia il nome "musica classica" è apparso solo nei primi 19th Century con il primo riferimento al termine "musica classica" che appare in 1836.
3. Diffusione e sviluppo -
Le divisioni di musica d'arte occidentale includono il Medioevo (500-1400), il Rinascimento (1400-1600) e il periodo di pratica comune, che include il Barocco (1600-1750), il Classico (1750-1820) e il Romantico (1804-1910). Il periodo 20th Century era composto dal Modern (1810-1930), l'High Modern (metà 20th Century) e il contemporaneo (1975 da presentare). L'era medievale è la data più lunga e la registrazione più remota della musica d'arte. La musica d'arte risale al Medioevo con l'introduzione del famoso canto gregoriano nei servizi della Chiesa cattolica. La musica occidentale raggiunse quindi una forma d'arte mentre le notazioni musicali avanzate e focalizzate si spostarono su temi più profani nel periodo rinascimentale. Con l'avvento dell'età barocca, la musica sperimentò un ampliamento di gamma e complessità. Nell'era classica, la musica d'arte sviluppò un potere emotivo associato a compositori come Wolfgang Amadeus Mozart. Il periodo romantico ha trasformato gli stili rigidi e le forme che discendono dall'era classica in una stilizzazione individualistica. La tonalità era al culmine del periodo romantico, quindi emerse la musica impressionista e permise l'uso delle dissonanze estreme viste nella musica dell'era moderna e continuò fino alla musica contemporanea di oggi. Con il passare del tempo, anche la musica è cambiata. Dal Medioevo, quando il passaparola trasmetteva musica ai tempi moderni in cui la tecnologia che influisce sui mass media e sui trasporti facilita la condivisione di stili e approcci musicali. Alcuni degli sviluppi significativi nel genere includono Impressionismo, sviluppato negli 1890 dal compositore francese Claude Debussy basato sull'understatement, gli effetti sfocati e l'uso creativo del colore. L'espressionismo era sviluppato da un austriaco-tedesco come palese espansione del romanticismo wagneriano basato su testi o idee graficamente morbosi portati in prima linea dalla coscienza dell'ascoltatore per atonalità. A metà degli 1920, Webern e Schoenberg promossero il Serialismo 12-Tone, in cui le note cromatiche sul pianoforte moderno sono disposte in una fila ordinata usata in avanti, indietro e in un'immagine speculare in entrambe le direzioni.
2. Professionisti notevoli -
Nel periodo rinascimentale, alcuni dei famosi compositori comprendevano Guillaume Dufay, Antoine Busnois e Gilles Binchois nel primo 15esimo secolo. Nel periodo barocco, la strumentazione era comune e l'uso del clavicembalo era molto diffuso. I compositori di spicco del periodo furono Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi e George Frideric Handel. Il famoso compositore del periodo classico e di gran lunga il più famoso di tutti fu Wolfgang Amadeus Mozart, che fu un prolifico e influente compositore dell'era classica. Altri compositori di transizione nel romanticismo includevano Franz Schubert e Ludwig van Beethoven.
1. Maggiore importanza ed eredità -
Si dice che la musica sia la lingua dell'anima. In contrasto con la musica pop, la musica d'arte non dà molta importanza alla rima concentrandosi maggiormente sulla formulazione e sull'informazione in essa contenuta. Richiedendo più attenzione da parte dell'ascoltatore per apprezzare l'arte, l'esperienza e il significato delle linee, la musica d'arte ha trasformato la dinastia musicale in un porto di affetti e tonalità umane. Ha rimodellato i modi in cui la musica è capita e alla fine ha cambiato radicalmente le concezioni e le visioni classiche del potere della musica. La vera eredità della musica d'arte è la promozione di un nuovo tipo di umanesimo musicale che si basa più sulla melodia e l'armonia in esso e non sul ritmo, la consistenza e il colore del tono visti nelle culture pop. La musica d'arte ha collegato in modo significativo la musica e la mente degli ascoltatori e alla fine ha sviluppato la nostra moderna nozione di musica come un'arte riflessiva ed espressiva.
